Judith au banquet d'Holopherne

Dans le passé, divers auteurs ont exprimé leur scepticisme quant à l'attribution du tableau à Rembrandt. Cependant, le projet de recherche Rembrandt l'inclut dans le Corpus de 1986 en tant qu'œuvre originale, et cela est soutenu par l'étude technique menée au Museo del Prado cette année-là. Quant à la signature, l'instabilité du trait et surtout la couleur jaune la rendent douteuse. Néanmoins, la signature Rembrant sans le d se retrouve dans diverses peintures datées de 1633, dans certaines gravures de 1632-33, et dans les premiers documents signés par le peintre. De plus, la date inscrite sur l'œuvre correspond au style de peinture caractéristique de cette étape de la carrière de Rembrandt.

La scène fait partie d'un petit groupe d'allégories personnifiées par des femmes héroïques - déesses ou héroïnes de l'Antiquité et de l'Ancien Testament peintes par Rembrandt entre 1633 et 1635, qui reflètent sa confrontation avec Rubens et les maîtres baroques flamands. Ils sont tous basés sur le même modèle féminin, traditionnellement considéré comme un portrait de la femme de Rembrandt, Saskia van Uylenburgh. Cependant, suite à la compilation du Corpus (1986), divers auteurs s'accordent désormais pour dire que la modélisation du visage, basée sur des contrastes marqués de lumière et d'ombre sans souci du détail, indique qu'il ne s'agit pas d'un portrait mais d'un prototype. En effet, ce type féminin - clairement redevable àRubens - se retrouve dans d'autres scènes peintes au cours de ces années non seulement par Rembrandt, mais aussi par Jan Lievens (1607-1674) et Salomon de Bray (1597-1664).

Sur un fond sombre se détache la figure d'une femme somptueusement vêtue d'une robe brodée à longues manches bouffantes, d'une sur-robe en soie blanche avec des bordures tressées en or et des attaches de passementerie, et d'un grand col en hermine orné d'une chaîne en or incrustée de rubis et saphirs. Elle porte un bracelet de perles, un collier double et des boucles d'oreilles. Ses cheveux tombent sur ses épaules et sont ornés d'un collier de perles et d'une chaîne en or. Elle est assise dans un fauteuil en velours bleu-violet dont seul l'avant des bras est visible, à côté d'une table recouverte d'un tissu damassé sur laquelle repose un livre ouvert avec écriture. Son corps est légèrement tourné vers la gauche et sa tête titrée vers la droite. Elle pose sa main gauche sur la table et presse sa main droite contre sa poitrine. Une servante qui s'agenouille devant elle le dos au spectateur mais légèrement de profil lui offre un gobelet composé d'une coquille de nautile montée sur une tige d'or qui contient du vin (ou du moins un liquide rosé). Les deux personnages sont peints grandeur nature. La présence puissante de la figure principale est soulignée principalement par sa haute perspective à l'égard de la servante - et du spectateur - et également par l'utilisation dramatique de la lumière et de l'ombre pour structurer la composition.

La lumière entrant par la gauche tombe directement sur le corps de la femme assise, transformant la sur-robe blanche en une lueur puissante qui à son tour illumine par son reflet le profil de la servante, le gobelet et le livre, tandis que le reste reste en semi-obscurité. Le fond est très sombre et en grande partie perdu en raison de la dégradation chimique des pigments utilisés dans cette zone ou d'une restauration effectuée à la fin du XIXe ou au début du XXe siècle. Tout ce qui est clairement visible aujourd'hui, c'est la figure d'une servante âgée située entre la femme assise et la jeune fille au gobelet; elle porte une tuque blanche et tient à deux mains un tissu à gauche duquel pend un cordon. A droite, derrière la femme assise, on distingue les plis d'un rideau rouge foncé. Cependant, une première radiographie montre clairement qu'il y avait autrefois un rideau en damassé semblable à la nappe entre la fille avec le gobelet et la vieille servante, et que le tissu tenu par la vieille servante est un sac à moitié ouvert avec un cordon à glands pendu sur un côté.

Stylistiquement, la peinture combine la monumentalité formelle qui est une caractéristique de la tradition flamande avec le goût typiquement hollandais pour le détail et la virtuosité dans le rendu de différents matériaux et textures. Les petits coups de pinceau serrés utilisés pour modéliser les visages et les mains des personnages et le gobelet contrastent avec les larges traits de balayage utilisés pour le reste des éléments.

L'image radiographique révèle un changement majeur de composition. Dans la disposition d'origine, l'espace entre les deux personnages est occupé par une femme, également grandeur nature et de trois quarts, qui regarde et se penche vers la femme assise. Ses cheveux sont recouverts d'une tuque et elle tient un objet oblong dans sa main droite. Le bord extérieur de cet objet est interrompu par la tête de la servante, indiquant que cette figure fait partie de la composition originale; le bord intérieur est également interrompu par un élément rectangulaire non visible dans le tableau (peut-être le bras de la chaise).

L'arrière-plan d'origine a ensuite été peint et remplacé par un rideau de chaque côté de la composition et la figure de la vieille servante tenant un sac.

La radiographie X soulève donc deux questions essentielles - qui a fait ce changement de composition et pourquoi - qui sont directement liées à l'interprétation iconographique de cette scène, l'aspect le plus controversé du tableau dans le passé et même aujourd'hui.

Le type de la vieille servante, le sac, la femme de chambre avec le gobelet, la riche tenue de la figure principale, les rideaux d'arrière-plan (visibles sur la radiographie) et le livre ouvert sur la table nous permettent ainsi de proposer un nouveau interprétation iconographique de la scène: Judith au banquet d'Holopherne. D'un point de vue historique, une telle interprétation serait justifiée par l'auto-identification des Hollandais, dans leur lutte pour la libération, avec le peuple hébreu. À cet égard, Judith était l'une des héroïnes bibliques qui symbolisaient le mieux leurs revendications patriotiques vis-à-vis des Espagnols.

Cette interprétation s'inscrit en outre dans la description du tableau des premiers inventaires, élément de preuve documentaire non pris en compte jusqu'à présent: dans le premier inventaire des biens du marquis d'Ensenada (1754), il est répertorié comme Judith.

Artemise ou Judith

Les partisans de l'interprétation de la figure d'Artemise prennent l'objet tenu par la servanteà l'arrière-plan de l'image radiographique comme un plateau d'où tombent les cendres de Mausolus. Cependant, Taco Dibbits (2006) propose de l'identifier comme un miroir dans lequel Artemise se regarde - une hypothèse qui semble plus en accord avec la forme ovale rigide et clairement définie (contrairement aux cendres ou à une chute de liquide). À cet égard, la composition originale s'inscrirait dans la tradition des scènes domestiques d'une femme à sa toilette qui sont caractéristiques de la peinture néerlandaise.

Pourtant La femme de chambre tendant le gobelet contenant un liquide rosé, permet d'identifier la composition originale avec le passage biblique dans lequel Judith, après son arrivée au camp d'Holopherne, est amenée devant lui. L'auvent visible à droite sur l'image aux rayons X représenterait les tentures qui ornaient la tente d'Holopherne, comme décrit dans le texte biblique (Judith 10:20); de plus, le regard et le geste de Judith semblent exprimer convenablement sa réponse au général ennemi; enfin, le livre, comme cela était fréquent dans les peintures d'histoire hollandaise du XVIIe siècle, serait une allusion à la Bible et, par extension, aux desseins du Seigneur.

De "Judith arrivant au camp d'Holopherne" à "Judith et Holopherne"

Rembrandt aurait donc eu initialement l'intention de dépeindre le thème nouveau de Judith à son arrivée au camp d'Holopherne, qui n'avait pas de tradition iconographique (du moins aucune n'a encore été identifiée). Cependant, l’absence même d’une telle tradition rendait ce thème très difficile à reconnaître, empêchant le spectateur de comprendre le sens du tableau, qui n’était autre que l’exaltation d’une conduite héroïque et, par conséquent, exemplaire. Par conséquent, la modification de la composition peut provenir du souhait de faciliter l'identification de l'histoire.

En effet, lorsque la servante à l'arrière-plan de la composition originale est remplacée par la vieille femme au sac, la scène devient immédiatement reconnaissable comme une représentation de Judith au banquet d'Holopherne (Judith 12: 17-19) tandis que sa servante l'attend à l'extérieur de la tente contenant la poche dans laquelle elle place plus tard la tête du général ennemi (Judith 13: 9-10). En fait, la première photographie de la peinture montre que la vieille femme était en effet positionnée derrière un rideau, c'est-à-dire en dehors de la scène du banquet, et tenait un sac à moitié ouvert, une scène pour laquelle il y avait, en fait, une source iconographique : une gravure de Georg Pencz, Judith au Banquet d'Holopherne, représentant un gobelet sur la table et une femme de chambre tenant un récipient assis à l'entrée de la tente. À cet égard, le regard et le geste sarcastique de Judith refléteraient sa réponse lorsqu'elle accepterait la boisson qu'Holopherne lui offre: Holopherne lui a dit: Bois maintenant et sois joyeuse avec nous !, Judith a répondu: Je vais boire maintenant, mon seigneur, parce que ma vie est magnifiée en moi ce jour plus que tous les jours depuis ma naissance. (Judith 12: 17-18).

Rembrandt transforme ainsi l'illustration de Pencz en une composition baroque qui, comme cela se produit souvent avec ses peintures d'histoire, se fond en une seule qui sont en fait deux scènes consécutives, obligeant à déchiffrer l'oeuvre au moyen des éléments narratifs, qui se réduisent à un minimum ici: la somptueuse tenue de Judith, le luxueux gobelet que lui tend une femme de chambre également richement vêtue, les rideaux (qui ne sont plus visibles) et la vieille servante avec le sac. La deuxième question qui se pose maintenant est de savoir si la modification de la composition a été effectuée par Rembrandt ou son atelier ou si elle date d'une période ultérieure.

L'analyse des échantillons prélevés dans le cadre montre tout d'abord que la figure principale, la femme de chambre avec le gobelet et la table sont peintes sur la couche de fond, qui se compose de deux couches: une couche sous-jacente de rouge , et en haut une couche de gris. Deuxièmement, l'arrière-plan d'origine est dissimulé par deux couches de peinture sans vernis entre elles: la première est principalement un pigment de cuivre (azurite et noir) et la seconde émail bleu. La figure de la vieille servante est peinte sur ce deuxième manteau. L'état actuel du tableau ne permet pas de déterminer si la figure de fond a été peinte par Rembrandt. Quoi qu'il en soit, les pigments utilisés pour masquer l'arrière-plan d'origine indiquent que le changement de composition a été effectué au XVIIe siècle, car le pigment de cuivre a cessé d'être utilisé au XVIIIe siècle. Le cuivre et le pigment bleu émail subissent une dégradation chimique au fil du temps et deviennent noirs, ce qui expliquerait en partie l'apparence fantasmagorique de la femme de chambre, qui semble sortir de l'obscurité. Néanmoins, le fond noir actuel, sans reflets ni modélisation, semble être un ajout ultérieur datant de la fin du XIXe ou du début du XXe siècle (peut-être les travaux de restauration mentionnés sur l'étiquette collée au dos).

Il est donc raisonnable de conclure que Rembrandt, comme c'était une pratique courante chez les peintres néerlandais lorsqu'ils abordaient des thèmes de la Bible, a choisi de représenter un moment de l'histoire de cette héroïne biblique qui n'est pas traité par l'iconographie italienne et catholique, à savoir Judith. arrivée au camp d'Holopherne. Cependant, l'absence d'une tradition iconographique aurait pu rendre la composition difficile à comprendre pour le spectateur, et il a donc été décidé de repeindre l'arrière-plan et d'ajouter la figure de la servante âgée avec le sac afin de transformer la scène en une représentation de Judith avant Holopherne, pour laquelle il y avait une iconographie existante.

De plus, au sein du même groupe de peintures, Rembrandt a également peint la scène la plus traditionnelle Saskia van Uylenburgh en costume arcadien (Flore) alors que la radiographie révèle que la composition montrait à l'origine Judith tenant la tête d'Holopherne.

Source : Musée du Prado