La photographie américaine des années 70   Bibliothèque Nationale. 29 octobre 2008-25 janvier 2009

Rupture et continuité

Ce n'est sans doute pas un hasard si, simultanément aux rétrospectives ou hommages à Bruce Conner (Beaubourg) et Wallace Berman (galerie Frank Elbaz), la Bibliothèque Nationale nous propose un retour sur la photographie américaine des années 70. Comme si les interrogations sur les modes de représentation induits par les médias les plus répandus de notre temps, photo et vidéo, nous renvoyaient de manière insistante à ce que cette période a encore à nous dire. Mais, au moment où tous ces artistes en sont à l'heure du bilan, les échos des années 70 nous parviennent peut-être plus clairement, à la faveur de circonstances sociopolitiques comparables.

L'invention de formes qui caractérise les années 70 s'inscrit pourtant dans une lignée à laquelle l'exposition fait justice. En citant Walker Evans, Louis Faurer et Robert Frank, auxquels on aurait bien vu ajouter Edward Weston, elle établit la prééminence de ceux qui ont contribué à investir le champ de la photographie des interrogations relatives à l'esthétique, au politique, à l'intime, au social. Les forces qui travaillent la photographie sont en effet multiples et les œuvres exposées en rendent compte.

 

Unité et diversité

Celles-ci émanent de photographes célèbres (Lee Friedlander, Diane Arbus, Garry Winogrand, Lewis Baltz), mais aussi de moins connus du grand public (Joe Deal, Bill Owens, Burk Uzzle). Les sujets, autant que les traitements, témoignent d'une pluralité des univers. Entre le documentaire empathique de Larry Clark et les visions contemplatives de Lee Friedlander, entre le graphisme suburbain quasi-abstrait de Baltz et les truculentes scènes de rue de Winogrand, c'est une large gamme de poses, d'environnements, d'atmosphères et d'émotions qui se trouve explorée. Mais au-delà des formats, tous comparables, et du choix unanime du noir et blanc (seuls les nuages d'Eggleston viennent troubler cette unité en fin de parcours), l'ensemble dégage une cohérence, qui est peut-être la raison d'être de l'exposition.

 

Signes et normes

Les photographes exposés portent certainement des valeurs héritées des maîtres cités plus haut. L'abandon des "sujets nobles"¹ , l'éloignement du pittoresque avaient certes déjà été préfigurés par Evans et les autres. Probablement ni plus ni moins que la littérature ou le cinéma, la photographie prend acte des bouleversements sociaux et trouve dans les marges une nouvelle matière à représentation. Mais la démocratisation de sa pratique (à la fois dans le sens de la production que de consommation d'images) en démultiplie les intentions et les effets. C'est l'exploration des limites de leur art qui unit ces photographes. Autour du signe, de sa profusion, de son absence ou de son mystère, c'est une œuvre collective somme toute très métaphysique qui s'est constituée. Autour de la norme, c'est aussi une démarche politique engagée, pas moins humaniste que la tradition européenne qu'elle interrogeait alors.

 

Christophe Cormier le 10/02/2009

Bibliographie :

• (1) Weldman, Sabrina, Le choc de la photographie américaine, Chroniques de la BnF n°46, pp 12, 13.
• catalogue de l'exposition : 70' - La photographie américaine. De Diane Arbus à William Klein et du portrait aux scènes de rue, le catalogue de l’exposition organisée à la Bibliothèque nationale de France jusqu’au 25 janvier 2009 rend compte de toute la richesse de la photographie américaine des années 1970.
  
  En 1971 la Bibliothèque Nationale présenta, sous le titre « Photographie nouvelle des États-Unis », une exposition consacrée à de jeunes Américains alors peu connus. Leurs photographies rompaient avec la conception du médium qui prévalait en Europe, où régnait la photographie « humaniste ». On découvrit alors Diane Arbus, Lee Friedlander, Garry Winogrand et bien d’autres. Chacun à sa manière engageait une singulière évolution, interrogeait sans a priori les multiples possibilités de cet art. Loin du pictorialisme, à distance du pur document, ils ne rompaient pourtant pas avec la riche tradition qu’incarnaient Walker Evans, Harry Callahan ou Aaron Siskind.
  
  La collection de la BNF conserve, grâce à ce lien consolidé au fil des ans, plus de deux mille tirages d’époque. L’exposition n’entend pas pour autant tracer une histoire de la photographie américaine des années 70. Les quelque trois cents photographies, rassemblées autour d’un nombre restreint de thèmes, esquissent un parcours dans le territoire iconographique qu’elles constituent.
  
  Le portrait (Diane Arbus), le paysage (Paul Caponigro, Lewis Baltz ou Joe Deal), les expérimentations photographiques (Duane Michals ou Les Krims) font écho dans l’exposition aux scènes de rue de Garry Winogrand, William Klein, Bruce Gilden, aux héros marginaux de Larry Clark, à l’humour décalé de Bill Owens et Ken Graves, aux recherches raffinées de Ralph Gibson. L’ensemble offre la part belle à l’onirisme et au fantasme, tradition très anglo-saxonne interprétée par Ralph Eugene Meatyard, Arthur Tress ou Joel Peter Witkin.
  
  L’exposition et son catalogue entendent mettre en évidence l’audace et la vigueur des formes, montrer la confondante liberté qui, à cette époque, balaya les stéréotypes et exerce encore son emprise sur la conception post-moderne de la photographie.

Ressources internet :

• le blog : Photographie contemporaine